La artista salteña Carolina Cunha inaugurará el próximo 11 de junio, en la sede de la Alianza Francesa de Montevideo, la muestra “OBRA”. Se trata de una exposición que se adentra en uno de los temas más sensibles y debatidos de los últimos años, la experiencia de las ex numerarias auxiliares del Opus Dei. Pero detrás de esta propuesta hay mucho más que una muestra artística. Hay años de investigación, una reflexión profunda sobre el papel social del arte y una trayectoria marcada por la búsqueda constante de un lenguaje propio.
EL ARTE NO ES SÓLO CUESTIÓN ESTÉTICA
Para Carolina Cunha, el arte nunca ha sido únicamente una cuestión estética. Su nueva exposición, “OBRA”, nace de un prolongado proceso de investigación inspirado en los testimonios recogidos en el libro Te serviré, de la periodista Paula Bistagnino, así como en documentales, entrevistas y diversas investigaciones sobre las mujeres que integraron durante décadas las estructuras del Opus Dei como numerarias auxiliares.
La artista entiende que la creación visual puede transformarse en una herramienta capaz de cuestionar a la sociedad. Por eso, la muestra busca ofrecer una respuesta poética y plástica a historias atravesadas por el trabajo silencioso, la obediencia, la invisibilidad y el dolor. No se trata de ilustrar una realidad, sino de traducir emociones y experiencias humanas en imágenes que inviten a la reflexión.
LA FIGURA DEL CURADOR, UNA REFERENCIA
La importancia de este proyecto también se refleja en la figura de su curador, el maestro Óscar Larroca, referente indiscutido de las artes visuales nacionales. Discípula suya desde hace años, Cunha destaca tanto su influencia artística como su capacidad para transmitir una ética del trabajo basada en la rigurosidad, la disciplina y la búsqueda permanente de excelencia.
Su proceso creativo se desarrolla en la intimidad del taller, un espacio donde el tiempo parece suspenderse. Allí construye colecciones que suelen demandar varios años de investigación y elaboración. Más que obras aisladas, sus muestras funcionan como capítulos de una misma conversación artística.
Esa metodología puede apreciarse en proyectos anteriores como Sacro, donde transformó una experiencia personal de dolor físico en una reflexión sobre la resiliencia; Marosa, homenaje a la escritora Marosa di Giorgio; Natura Naturans, inspirada en la flora nativa uruguaya; o Jerónimo, dedicada al universo creativo de Hieronymus Bosch.
LA FORMACIÓN ACADÉMICA TRADICIONAL Y SU LENGUAJE ACTUAL
A diferencia de sus primeros años, marcados por una formación académica tradicional basada en el dibujo y la pintura al óleo, su lenguaje actual se apoya en técnicas mixtas donde predominan el collage, el décollage, las tintas y el grafito. Papeles antiguos, fotografías, cartas y documentos en desuso son incorporados a las obras como fragmentos de memoria que adquieren nuevos significados.
“Cada papel tiene una historia”, parece ser una de las premisas que atraviesan su trabajo. Cunha rescata materiales cargados de pasado para construir nuevas narrativas visuales.
Su mirada también se ha detenido en los cambios sociales. Muestras como Catálogo de supermercado, concebida para acercar las artes visuales a personas ciegas mediante recursos táctiles y el uso del sistema Braille, revelan una preocupación constante por la inclusión y las distintas formas de percepción. En ese punto, su profesión como fonoaudióloga dialoga naturalmente con su actividad artística, uniendo sensibilidad social y creación estética.
EL DESAFIO PERMANENTE DEL ARTISTA DEL INTERIOR
Desde Salto, ciudad con una larga tradición cultural, la artista observa además el desafío permanente de quienes producen arte desde el interior del país. Aunque reconoce la riqueza creativa existente fuera de la capital, advierte que buena parte de los principales circuitos culturales continúan concentrados en Montevideo, una realidad que obliga a muchos artistas a desplazarse para acceder a mayores oportunidades de visibilidad.
EL ARTE SIEMPRE ESTARÁ
Carolina no percibe una amenaza para la creación artística, sino un escenario de transformaciones. A su juicio, cuanto más avanzan las tecnologías, más valor adquieren las obras realizadas manualmente, aquellas donde permanecen visibles la experiencia humana, la emoción y la huella irrepetible de quien crea.
Su obra parece situarse justamente en ese territorio donde el arte no es un objeto decorativo, sino una forma de pensamiento. Entre la memoria y la denuncia, entre la belleza y la incomodidad, sus trabajos invitan a detenerse y mirar de otro modo.
“OBRA” es, en definitiva, la confirmación de una búsqueda sostenida, la de una artista que entiende que crear también puede ser una forma de dar voz a quienes durante demasiado tiempo permanecieron en silencio.
CAMACA
